Técnicas de iluminação de Cinema e Dicas: com Imagens bonitas! ( Tradução do Google Tradutor, sujeita a erros de linguagem e de tradução, Por exempo: Tiro  significa take, ou tomada)
O uso de luz de fundo e luz de preenchimento em uma tomada  de “A Lista de Schindler ‘- Dirigido por Steven Spielberg, Janusz Kaminski DP
Luz dianteira macia / retroiluminação quente

Uma técnica popular em iluminação filme é usar um (difuso) fonte suave luz da frente e uma luz mais forte, mais direcional da parte de trás, para que o assunto tem uma borda quente. A luz frontal macio é conhecido como a luz de preenchimento; a forte luz na parte de trás é conhecido, sem surpresa, como a luz de fundo.
Você pode organizar as luzes, de tal forma a deixar a escuridão entre a área iluminada pela luz de fundo ea área iluminada pela luz de preenchimento, dependendo de como você deseja que o temperamental tiro ser. Isso tende a funcionar muito bem, apesar de até mesmo os filmes moodiest tendem a não deixar sombras escuras nos rostos de talento feminino. O filme ainda mostrado acima é de “A Lista de Schindler” e é um bom exemplo dessa técnica, mas seja advertido que Janusz Kaminski é um cineasta extraordinário!

Para um olhar um pouco diferente, a luz de fundo também pode ser suave, mas ainda deve ser mais quente do que o preenchimento.
Você deve iluminar o seu filme ou vídeo tomada por tomada. Isto significa que quando você mudar a câmera para fotografar de um ângulo diferente, as luzes devem ser movidos, assim como para assegurar o assunto está sempre acesa corretamente. Isto é em parte por isso que os filmes demoram tanto para atirar.
A criação de luzes é a tarefa mais demorada em filmagens. Por isso, é boa prática para filmar uma cena de tal forma a minimizar a necessidade de mudar as luzes – em outras palavras, atire na ordem dos iluminação set-ups.

Aqui está um truque que pode salvar enormes quantidades de tempo: quando cobre uma cena com uma tomada e to,ada  reverso, em vez de mover a câmera e luzes para o tiro reversa, basta mudar os atores ao redor e mover a câmera para o outro lado do olho -line, a fim de manter a relação linha dos olhos correto. Isso permite que você use a iluminação mesmo set-up por dois ou mais pares de tiros. Dependendo da situação, pode ajudar a mover alguns adereços ao redor também. Ele geralmente funciona melhor quando os fundos dos dois atores não podem ser distinguidos. Esta técnica não é sempre o caso, mas na situação certa, pode ser totalmente convincente e uma enorme economia de tempo.
Misturando temperaturas de cor

Usando luzes de diferentes temperaturas de cor pode ser usada com grande efeito. Isto significa simplesmente usando luzes de cores diferentes no mesmo tiro. Esta foi usada com grande efeito por James Cameron na cena usina siderúrgica de “O Exterminador do Futuro 2”, em que ele usou a luz azul e laranja (motivado por luar e aço fundido, respectivamente).
Temperaturas de cor mista (azul e laranja), em um chute de Exterminador do Futuro 2 (Dirigido por James Cameron, DP Adam Greenberg)
A única ressalva com isso é que você deve determinar a relação entre as duas cores diferentes antes de filmar, porque não é realmente possível, por exemplo, para fazer o mais azul azul sem também fazer o mais azul laranja (ou seja, menos laranja).
Por que o cinema precisa de luzes
Se você já esteve em um set de filmagem você certamente vai ter percebido o quão brilhante luzes de cinema são. Para um olho destreinado, sets de filmagens principais olhar drasticamente ao longo iluminada. Por que são luzes usadas no cinema? Certamente, se queremos que o filme parecesse natural que deve apenas transformar-se no local, configurar a câmera e disparar. Em vez disso, tomamos um enorme cuidado para usar luzes de cinema, que custam dinheiro e tomar as idades para configurar.
A razão para a qual são necessárias no cinema luzes é que o filme, e um ainda maior grau de vídeo, não responde à luz da mesma forma que nossos olhos fazem. Especificamente, cinema e vídeo ver as coisas de uma forma muito mais contrastada. Em outras palavras, eles não podem lidar com o contraste de iluminação da vida real: se você filmar uma cena sem luzes artificiais, ou as sombras vão completamente preto ou os destaques vão completamente branco. Tudo isso significa que, se você quer uma cena para parecer natural, ironicamente a única maneira de fazer isso é ter luz suficiente para fazer cinema ver a cena da maneira que nossos olhos vêem a cena.
Em qualquer caso, não há mais a cinematografia do que simplesmente fazer os atores visíveis e fotografá-los. Para melhores resultados, o humor do filme deve ser cuidadosamente trabalhada com iluminação, entre outras coisas. Sem mencionar o fato de que há muitas situações em que a luz natural não vai resultar em exposição em tudo. Por exemplo, não há nenhuma maneira que você pode fazer uma filmagem noturna exterior sem luz, mesmo se houver uma lua cheia.
Há outras considerações que eu poderia fazer. Por exemplo, tem-se notado por muitos cineastas e cinéfilos que os melhores filmes apresentam uma interpretação mais profunda da realidade; em outras palavras, os filmes que tocam nossos corações tendem a oferecer um mundo que é “mais real do que real.” Isto é simplesmente uma maneira de dizer que eles não são sem graça. Apresentando uma visão aprimorada da realidade envolve o uso de iluminação altamente estilizado.
Um dos maiores mitos é que a gravação de vídeo requer menos luzes do que filmar em película. Isso é totalmente incorreto, porque o filme pode lidar com uma gama de contraste muito maior do que o vídeo, e, portanto, sofre menos, se a iluminação é excessivamente alto contraste. O vídeo, por outro lado, tem enormes problemas que procuram, mesmo que remotamente decente quando a iluminação não é perfeitamente afinado de tal forma que o ponto mais brilhante na cena não é mais do que três paradas mais quente do que o ponto mais escuro na cena. Assim, ironicamente, o filme é, em teoria, a melhor escolha quando há pouco ou nenhum controle da iluminação, mas a iluminação impressionante set-ups usados em 35 milímetros brotos tem intimidado as pessoas a pensar que celulóide precisa de mais luz do que o vídeo. O oposto é verdadeiro.
A próxima vez que você tem o prazer de visitar um set de filmagem lembrar que as coisas parecem plana e mais iluminada, porque eles foram acesas para o cinema, não para o olho humano; a imagem terá muito mais textura, profundidade e contraste quando você vê-lo em celulóide na tela grande.
Técnicas de iluminação filme e seus efeitos: a pergunta de um leitor
Eu estou escrevendo um livro de instruções para os criadores de histórias em quadrinhos e estou tentando aprender mais para que eu possa, obviamente, ensinar mais. Eu uso uma combinação de filme, história em quadrinhos, e técnicas de fotografia em meu ensino como todos eles se aplicam a narrativa gráfica.
Neste caso em particular, eu estou tentando aprender mais sobre iluminação, como silhueta, luz de fundo, a iluminação do lado / parte superior / inferior, etc. eo que cada técnica pode representar simbolicamente. Eu quero ter certeza que tenho uma compreensão completa antes de eu ir colocar o meu pé na minha boca. Então eu acho que a minha pergunta seria:
Quantas técnicas existem e quais os significados que eles representam para o Luz & Sombras?
Minha resposta:

Esta é uma pergunta muito difícil de responder, porque é parece estar baseada na suposição de que cada técnica terá um efeito único e previsível sobre o público. Embora seja verdade que as sombras são temperamental enquanto a iluminação plana faz um moodless cena (não o mesmo que feliz), os efeitos que, por vezes, se sobrepõem.
Da mesma forma, a iluminação do fundo costumava ser só para os vilões do sexo masculino em filme noir – agora é uma das técnicas mais glamourosas conhecidos (quando feito com luz suave).
Backlight é geralmente essencial no cinema, porque sem ela tudo tende a ir lamacento. Mas também há muitas exceções – por exemplo, “Minority Report”, que tem algumas lindas fotos sem backlight. Falta de luz de fundo pode funcionar bem se a cena tem uma qualidade chiaroscuro a ele, como pinturas de Caravaggio. Para um exemplo forte, ver o quadro abaixo (“A vocação de São Mateus”, de Caravaggio):
A vocação de São Mateus de Caravaggio
Esta pintura de Caravaggio mostra como um pouco de iluminação excepcionalmente mal-humorado pode ser alcançada sem backlight (1599-1600 “A vocação de São Mateus,”)
A resposta mais útil que eu posso dar é esta: assistir seus filmes favoritos repetidamente e fazer anotações detalhadas sobre as tendências que você mancha no que diz respeito às técnicas de contra efeito alcançados. Desta forma, você irá produzir um guia que é consistente com o seu gosto.
Eu acho que você vai achar que não há uma relação direta entre a técnica de iluminação eo efeito que alcança, não obstante os princípios gerais todos sabemos (baixo contraste = feliz; alto contraste = mais grave).
Outro exemplo acaba de vir à mente: piscinas de luz suave. Eles podem ser mal-humorado no filme noir, mas super-glamourosa em um comercial de creme para a pele.
A silhueta – o que significa motivo escuro contra fundo muito brilhante – é uma técnica bastante escuro. Exemplo: O encontro de di Caprio com o pai no bar. “Catch Me If You Can” O humor negro da iluminação reflete o subtexto da cena: seu pai já sabe que seu filho é um fraudador, e di Caprio está chateado porque seu pai se recusa a pedir-lhe para parar. Uso excepcional e clássico da silhueta:
Uso de silhueta em um tiro de “Catch Me If You Can” – Dirigido por Steven Spielberg, Janusz Kaminski DP
Espero que isso ajude!
Técnicas de iluminação Film: exemplos do meu trabalho
Nesta seção vou descrever algumas técnicas de iluminação interessantes e dicas, utilizando fotografias tiradas de projetos I dirigidas.

1. Colocar luzes de filmes reais fora janelas em vez de depender de luz natural – sempre vale a pena
 
O ainda acima é tomada desde o primeiro filme que dirigi (por coincidência, será exatamente 10 anos, esta junho!). Você vê os padrões de janelas feitas pela luz na parede? Essa não é a luz natural – que conseguimos esse efeito, colocando uma luz HMI fora cada uma das três janelas. Um andaime teve de ser erguido para montar as luzes, porque essa sala não era no piso térreo, mas isso é outra história. O principal ponto que gostaria de fazer aqui é que eu queria padrões janela de luz contra a parede e não podia contar com o sol para fazer isso, pela simples razão de que a direção das mudanças de luz solar constantemente. Como tenho afirmado repetidamente na minha dicas de cinema:
A realização é tudo sobre como criar um olhar a partir do zero e, em seguida, executá-lo na própria filmagem, o que significa que o controle é tudo no cinema.
Esse padrão de luz na parede permaneceu exatamente a mesma desde a manhã até o anoitecer, porque usamos luzes HMI para gerá-los. Ele pegou o dinheiro e esforço, e que valeu a pena.
2. Nenhuma cor em suas fotos deve ser sempre um acidente

O ainda acima é mais uma vez do meu primeiro filme. Estou incluindo esta ainda porque até hoje continua a ser talvez o mais tiro projetado-produção em toda a minha carteira. Se eu fosse fazer esse filme de novo eu iria usar uma paleta de cores muito mais suaves em vez de usar essas cores brilhantes, mas isso não vem ao caso: o ponto que eu quero fazer aqui é que tudo em que o tiro está lá por design: a planta atrás da atriz, o papel de parede azul, o vestido roxo, as cortinas que são visíveis à esquerda, o penteado, o batom, seu colar – tudo está lá por design. Essa sala era originalmente vazio, branco e em um estado de abandono. A luz chave em seu rosto é de uma lâmpada HMI fora da janela.
3. Um azul bonito pode ser alcançado com luzes HMI e um conjunto de câmera digital para tungstênio equilíbrio

Isso ainda é tirado de um anúncio de serviço público que dirigi em 2005. (Confira o meu discriminação detalhada desse ponto, completo com iluminação diagramas de set-up.)
Todo mundo sempre comenta sobre o quão rico e impressionante os olhares azuis, embora, evidentemente, dando cenas noturnas uma cor azul não é nada novo (James Cameron fez espetacularmente bem em “O Exterminador do Futuro 2”). a principal
ponto que gostaria de fazer aqui é que a cor azul profundo foi alcançado completamente na câmera, sem correção de cor na pós-produção. Fizemos isso usando luzes HMI e definindo a câmara de vídeo (Canon XL1) para uma predefinição que o diretor de fotografia já havia trabalhado com antecedência, mas, essencialmente, a câmera foi criada mais ou menos em equilíbrio de tungstênio, o que significa que ler daylight- luz equilibrada como o azul em vez de branco.
O outro ponto importante que eu gostaria de fazer aqui é que usamos o que foi considerado na época uma câmera semi-profissional, a Canon XL1. Independentemente da qualidade das lentes, MiniDV ainda é MiniDV, e sabíamos que com MiniDV, quanto mais perto você chegar ao olhar que você quer na câmara, a menos que você confiar em correção de cor na pós-produção, o melhor a metragem vontade olhar. MiniDV, com a sua relativamente baixa largura de banda, é simplesmente não é adequado para filmar em estilo correção de cores. É muito melhor para chegar o mais próximo possível do tom correto que você quer por equilíbrio criativamente cor, como fizemos nesta filmagem. Você pode conseguir praticamente qualquer equilíbrio de cores, desta forma, como veremos a seguir. Se você fotografar com uma câmera de filme real, esse artifício não é necessário.
4. Uma bela “Matrix” verde de estilo pode ser alcançado por fotografar com luzes fluorescentes regulares com o conjunto de câmera para tungstênio equilíbrio
 

Os alambiques acima são tomadas a partir de um vídeo de música que eu tiro em 2005. Este tiro particular foi filmado em um parque de estacionamento. Nós usamos lâmpadas fluorescentes do parque de estacionamento mais uma loira com um gel amarelo na frente dele. A câmera (Canon XL1 novamente) foi criado cerca de tungstênio equilíbrio, como um resultado do qual se lê a luz fluorescente como verde. O tiro tem uma cor verde muito rica e convincente, mas era simples de se obter com as luzes disponíveis, além da definição de equilíbrio de brancos correcto na câmera, e mais uma vez sem a correção de cores foi feito em pós-produção. Tal como acontece com o tiro azul acima, se tivéssemos filmado como “branco”, eu sei que para um fato que não teria sido capaz de obter a mesma qualidade na pós-produção, a não ser, talvez, tivéssemos usado um state-of-the -Arte suíte de correção de cor, e mesmo assim é duvidoso.
5. piscinas suave da luz nos rostos dos atores pode produzir um olhar muito interessante

O ainda acima foi tirado do que mesmo vídeo de música. Observe que existem três fontes de luz no tiro: luz quente na parte de trás, dim luz suave sobre toda a cena e uma brilhante piscina suave de luz na metade superior do rosto do cantor. Este olhar foi alcançada quase por acaso: enquanto o DP foi configurar as luzes, um pedaço aleatório de equipamentos bloqueou parte da luz de preenchimento brilhante, reduzindo-o a uma pequena piscina no rosto do cantor. Eu notei isso, eu gostei e eu instruído a DP para configurá-lo deliberadamente e ajustá-lo até que eu estava 100% feliz.
Isso mostra como as descobertas mais interessantes de cinema são feitas enquanto você está realmente tiro algo, mas isso só vai acontecer se você manter uma mente aberta e não está muito estressado. A maneira de evitar ser muito estressado durante a gravação é preparar muito, por isso que tudo se resume a, como escrevi em uma ponta de cinema passado, é que você deve se preparar tanto bem e ter uma mente aberta enquanto você atirar. Quanto mais preparado o diretor é, a improvisação mais proveitosa será no tiro real.
6. luz balanceamento de Daylight no fundo com tungstênio
luz de frente, com o conjunto de câmera no equilíbrio de tungstênio
 
Descobri este olhar em 2007, enquanto a criação deste tiro de uma rosa de prata em um armário de vidro com espelhos por trás dele. Eu estava experimentando com equilíbrio de cores – sempre uma busca que vale a pena – e notei que um olhar bonito e elegante pode ser alcançada se existe luz no fundo, luz de tungstênio a partir da frente ea câmera está configurado no equilíbrio de tungstênio, o que significa que ele irá ler a luz do dia como a luz azul e tungstênio como branco. É por isso que no ainda acima da rosa tem uma cor neutra, enquanto o fundo tem poças de luz azul. A luz “branca” foi realmente tungstênio luz, enquanto que a luz “azul” era dia reflectida nos espelhos no fundo. Produziu um olhar particularmente elegante que é bem adequado para o assunto, e estou certo eu vou usar este esquema de cores novamente no futuro.
O ainda abaixo usa exatamente a mesma técnica, com um assunto diferente (uma porcelana rosa):
 
7. Backlight vs. sem iluminação
Estes dois quadros são retirados do meu primeiro filme: o primeiro não tem luz de fundo eo segundo foi baleado com luz de fundo (um equilíbrio de luz do dia Kino Flo):

O efeito da luz de fundo é clara: ela aumenta o contraste, reduz “muddiness” e melhora percebida nitidez.
Mais um ponto de interesse no segundo tiro: embora a luz chave e backlight são ambos nominalmente luz equilibrada nesta configuração, a luz de fundo claramente tem uma temperatura de cor ligeiramente mais baixa do que a luz chave – em outras palavras, é um pouco mais azul. Poderíamos ter compensado isso com um gel, mas estou feliz que não: a luz de fundo frio dá ao ator uma clara vantagem e adiciona algum brilho real para o tiro.
Curiosamente, esta descoberta confirma ponto n.6 acima: um olhar interessante pode ser produzido quando a luz de fundo é um pouco mais fria (mais azul) do que a luz chave.
Considerações finais
Você deve levar para casa as seguintes lições desta seção:
i) Alguns se parece muito impressionante pode ser alcançada por ajustes a
relação entre o equilíbrio de cores da câmera e as luzes. Com as câmeras DV regulares, isso geralmente produz melhores resultados do que o tiro “branca” e classificação na pós-produção. Câmeras de cinema real não exigem este artifício.
ii) aparência bonita às vezes pode ser alcançado com as luzes de um local, desde que a câmera está configurada judiciosamente, como ilustrado na foto verde acima.
iii) Como cineasta, se você quer que seu trabalho se destacar, você deve desenvolver uma compreensão nítida das cores e seus relacionamentos. Se você não está fascinado por esquemas de cores e cores hoje, vale a pena trabalhar nele.
iv) Alguns dos mais belos looks são alcançados pela mistura de cores
temperaturas (como o tungstênio ea luz do dia), mas certifique-se de compreender a relação entre as duas cores de antecedência – nunca assumir que os erros podem ser corrigidos na pós-produção. A extremidade inferior da câmera, o que é menos provável que você possa corrigir erros na pós-produção, porque eles capturam menos dados.
v) Você não pode saber tudo sobre o cinema antes de pisar
no set de filmagens: as descobertas mais fascinantes são feitas enquanto você está atirando ou experimentar. Mesmo apenas experimentando com uma filmadora em casa vai ensinar-lhe lições surpreendentes que nenhuma escola de cinema é mesmo ciente, muito menos capaz ou disposto a ensiná-la.
O uso de bokeh em cinematografia
O que é bokeh?

Bokeh é composta de fontes pontuais borradas de luz no fundo.
A imagem abaixo é um exemplo de bokeh do meu trabalho:
 
Como conseguimos o efeito bokeh mostrado acima
Atrás do ator e à esquerda havia uma janela com persianas metálicas brilhantes. Luz direcional foi ricocheteou-lo de tal forma a criar a fonte de ponto de luz. As cortinas foram deixados semi-fechado para criar uma textura, uma vez que fechá-los completamente teria produzido uma superfície plana sem graça. Nós usamos um 25 milímetros Zeiss lente Ultra Prime para este tiro, montado em uma câmera RED.
O efeito de bokeh
Bokeh faz imagens fascinante e visualmente atraente. Ela também pode produzir um olhar sonhador, um pouco fantástico que pode ser apropriado em cenas particularmente românticos ou conto de fadas-like. De modo mais geral, eles fazem tiros mais atraente, adicionando um pouco contraste com o fundo, tornando-o menos maçante – sempre uma questão importante na iluminação filme.
Como produzir bokeh em geral
Deve informar o seu diretor de fotografia eo desenhista de produção de antemão que você quer bokeh em um tiro particular. Os dois mais rigorosos requisitos são:
a) apontar fontes de luz no fundo;
b) a uma profundidade de campo rasa, para desfocar as fontes pontuais de
luz.
Enquanto a profundidade de campo pode ser alcançado com lentes de largura (usando uma grande abertura e uma distância da câmera assunto curto, como no meu exemplo acima), bokeh tende a precisar de lentes de distância focal mais longa, porque eles fazem os pontos borrados de luz muito maior no quadro, que é uma característica essencial do bokeh. O efeito não tende a trabalhar, bem como se as fontes pontuais de luz são demasiado pequena, mesmo se eles são turva.
Lembre-se que as fontes pontuais de luz não têm necessariamente de ser luzes elétricas; eles podem ser fontes pontuais de luz refletida por superfícies brilhantes. Por exemplo, objetos de vidro no fundo pode produzir excepcionalmente atraente bokeh, se eles são feitos para brilhar com técnicas de iluminação apropriadas – na verdade, esse é o meu tipo favorito de bokeh!
Tal como acontece com a maioria dos efeitos no cinema, você realmente precisa decidir de antemão que você quer bokeh em uma tomada certo se você quer resultados de alta qualidade.
( Tradução Google Tradutor de http://www.lavideofilmmaker.com/filmmaking/film-lighting-tips.html